提到摄影画册，那日松曾经这样谈到：这两年，我遇到的最神奇的画册出版狂人是摄影家刘远，他以差不多每年在画册设计公司出版20本个人画册的速度，构建着他一个人的影像出版王国。 出一本自己的画册几乎是每一个摄影家的梦想。是的，一本画册都没有出过，你算是一个摄影家吗？摄影长于做什么？ 1890年，也就是摄影术诞生51年后，美国《国家地理》杂志刊登了它的第一幅图片。在后来的118年中，《国家地理》以摄影的方式报道了人类所触及的所有领域，时间涵盖一个世纪有余，空间纵经横纬直到星球以外。“它所形成的10500万幅图片档案，是世界历史独一无二、无可估价的形象记录。”保罗马丁的这一评价和100多年来《国家地理》拥有4000万全球固定读者的事实，毫无疑问地证明了摄影的形象记录价值。 当然，摄影作为一种工具，也可以用来创意，或抒发柔情，或发泄愤怒。但需要明白的是，这时的摄影是一种完全意义上的“创作工具”而已，不能因此就颠覆了摄影的本质性——记录功能和真实属性。相反，创意恰恰利用摄影的本质性“欺骗”、娱乐了受众。
摄影师为什么要出版摄影书？ 如果你拍照只是为了自娱自乐，那出不出摄影画册其实并没有什么关系，但是如果你想成为一名真正的摄影师，想要更多的人看见你的作品，那么印刷出版物和展览，是两个不错的方法。做一本好书花的心思并不比展览少。 Martin Parr在接受记者采访的时候曾明确的表示：书是一种有趣的展示摄影的方式。接下来为大家翻译一下访谈中的一小段。 我觉得这是最能持久也最意味深长的展示照片的方式。作为一个摄影师，我大部分的灵感都是来源于观看别人的摄影书的过程，我知道很多摄影师也是这样的。但是在整个摄影史中，直到最近近十年，摄影书的角色定位都没有被正确理解，所以摄影书的地位被低估了。对摄影的热情比不上摄影师，他们不太理解摄影书所扮演的角色。一些理论家懒得去理解某些摄影师的成果，他们就这样被忽略了。我们的工作，首先，就是要给予摄影书应该有的地位。 一本摄影书可以帮助我们全面并且客观的了解一个摄影师。很多时候，我们对于某些摄影师存在着认识上的“偏见”，比如一提到Andreas Gursky，由于我们掌握的信息有限，很容易给摄影师贴上“上帝视角”、“天价照片”等标签。并不是说这些印象是不好的，只是如果我们有机会看过他们出版的摄影书的时候，就会发现，原来以前对摄影师的认知真的很狭隘，摄影师是很多面的，他们的风格有时候迥然不同。 做一本摄影书很简单，但是做一本很棒的摄影书就没那么容易了，一本好的摄影画册，首先需要好的照片，然后书的设计要与照片相呼应。并不是所有的照片都适合拿来做书，现在这个全民摄影师的年代，谁还需要看一个摄影师拍亲朋好友的彩色快照呀，当然，如果把家庭合影当做一个题材，表现不同地域不同年代，就另当别论了。 在这个信息大爆炸的时代，拿起手机就有无数条信息涌来，他们用夸张的标题以及刁钻新奇的事件，努力的吸引读者的眼球，其实也恰恰是这个时候，才能发现一本书的重要性。
一本好的摄影书离不开好的设计 1.版式设计 色彩搭配，不能freestyle。影响设计美感的要素很多，但色彩总是第一时间被关注到，颜色反映了设计的整体感觉，有时候单凭颜色就可以调度起一个人的情绪，所以色彩搭配的地位真的非常重重重重重要。 没被图片坑过的设计师不足以谈人生。图片是整个画册的主体部分，他的重要程度不言而喻，然鹅，你以为图片排版就是点下“置入”这么简单吗？一张图片怎么排，五十张图片怎么排，图片少要不显单调，图片多又如何不杂乱，都是难题。因此在图片的安排上，不管是图片的色调、大小、外形、风格都要充分考量。 文字排不好毁所有。武汉画册印刷时，排版对设计师的要求更多的不在于创意，不能随心所欲自由发挥，精良的排版需要设计师将内容进行清晰、有条理、主次分明的视觉呈现，让用户可以快速准确地获取信息。字体、字号、色彩、包括摆放的位置，都需要全方位的来考虑，稍不注意，就容易喧宾夺主。 2、画册是一本“故事会” 说来简单，但却是最让设计师头疼的部分，这需要设计师对画册所要传达的意义有着深层次的理解，以实现对画册整体构架的准确把控。而对于具有纪念意义的个人画册，则需要根据作品本身，赋予画册极具特色的个人情怀，并使整个画册结构流畅，具有可读性。 3. 制作工艺定江山 武汉画册设计完成了，内涵也注入了，但留在屏幕上的设计永远只是设计，落到纸面，还有很长的路要走。纸的选择，油墨怎么搭配，都有讲究，确定装订方式，特殊工艺的选择，变化无穷无尽。简而言之，画册的装帧工艺决定了画册最终呈现品质。 |
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