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世界摄影史

2018-8-17 15:25| 发布者:cphoto| 查看:2232| 评论:0|来自:豆瓣

摘要:一.小孔成像与暗箱的发明 《墨经》对小孔成像的研究: 景光之人照若射,下者之人也高,高者之人也下。足蔽下光,故成景于上,首蔽上光,故成景于下。在远近,有端与于光,故景库内也。 中国古代的相关记载 明代 《帝 ...



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似自然的艺术,才是最高的艺术,而没有一种艺术比摄影更精确、细致、忠实地反映自然,因此自然主义是最适合摄影创作的美学主张。

埃默森就提出:“从感情上和心理上来说,摄影作品的效果就在于感光材料所记录下来的,没有经过修饰的镜头景象。”该派的另一位大师帕邱说得更明确:“美术应该交给美术家去做,就我们摄影来说,并没有什么可借重美术的,应该从事独立性的创作。”

反传统的自然主义摄影

焦点摄影理论 :人的视觉边界是不明确的,中间部分清晰,边缘部分模糊。为了使照相机达到人类视觉再现的效果,他劝告摄影同行不必使影像都达到最清晰的程度,仅仅清晰地展现景物的部分完整细节,就能获得更自然的效果。当然她也强调指出,这样做的前提是不能歪曲被摄体的结构。

自然主义摄影在创作中彻底摈弃了作为高艺术摄影的恶习之一的叠版术,正确地表现了物体在现实中的空间关系。由于埃默森在书中直接指出高艺术摄影的方式是“支离破碎式的”,对罗宾逊涉及画意摄影的通俗读物《摄影的画意效果》进行强烈的抨击,因此在摄影界引起了巨大的反响,从而在一定意义上影响了摄影流派的发展趋向。自然主义摄影为画意派摄影引入了现代造型意识,在不久之后也极大的影响了施蒂格利兹等人的美学观点。


自然主义摄影的贡献

白金印相法(铂盐印制法):产生于1883年。这种方法不用传统的明胶,而是涂着一层感光剂和铂盐,它感光非常慢,加一些甘油就能在印相时对局部影调进行控制,而且画面影调丰富,没有表面光泽,非常适合印制在纤维纸上,产生合适的画意效果。

敢于将镜头对准普通人的日常生活,将本来非常平凡的生活拍摄得充满诗意,这也是自然主义摄影在摄影史上具有不可动摇的地位的原因之一。

自然主义摄影的消亡

虽然焦点摄影理论是自然主义的核心思想,但是一些从事自然主义摄影的摄影家却极端地虚化焦点,搞软焦点表现或者干脆使用柔焦镜。这一做法激怒了爱默森,他认为这种软焦点描写无疑是再一次把摄影引上趣味性游戏的邪道,他又出版了一本画有黑框的小册子《自然主义摄影的灭亡》,便引退摄影界。但是,软焦点描写的倾向却随着时间的推移逐渐发展了起来,以至于发展成为一幅照片甚至可以将画面完全置于焦点之外,这一激进的观念就成为后来的印象派理论的基础。

印象派摄影与摄影连环会

背景:印象派摄影是从印象派绘画中得到灵感的。19世纪60年代中期到80年代,绘画印象派运动在法国盛行,著名的印象派画家莫奈(Monet)和雷诺阿(Renoir)为了反对绘画的陈规陋习,力求再现那些在充满光线的气氛中,传达物体的视觉印象的色彩。这一具有创新意义的实践,在摄影界引起了尽管是迟到的、但却是重要的反响。1889年,英国举办了法国印象派绘画的首次展览。绘画派高艺术摄影家罗宾逊在其影响下,提出了“软调摄影比尖锐摄影更优美”的审美标准,提倡“软调”摄影。

印象派摄影的艺术主张

他们运用软焦点镜头进行拍摄,布纹纸洗印,追求一种模糊朦胧的艺术表现效果。印象派作品从对镜头成像的控制发展到暗房加工。他们提出“要使作品看起来完全不象照片”,并且认为“假如没有绘画,也就没有真正的摄影。”有的摄影家在拍摄前,先把纹理很粗的干版表面曝光一会儿,以减少画面中的逼真效果,或是干脆在拍摄时摇动三脚架,让画面产生轻微的模糊、柔化效果。

1890年,后来成为英国伦敦柯达有限公司经理的乔治戴维森(George Davison,18561930)在一次关于“摄影的印象派”讲座中坚持认为,尽管锐度和清晰度对一些照片是至关重要的,但是在其他情况下,它们也可能完全用不着。他认为决定性因素是摄影师在艺术上的观念。为了说明他的观点,他展出



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了一幅后来成为摄影史上的经典摄影作品《洋葱田》。

印象派摄影的得失

从总体上看,印象派摄影作品营造了一种浪漫的风格,从而与传统的画意摄影形成了迥然的区别。 受印象派摄影影响并身体力行的摄影家除了英国和法国摄影家外,还有奥地利摄影家海因里希库恩等。

美国摄影家施泰肯、科伯恩等于1900年在伦敦举办了“美国画意摄影新学派”作品展,尽管同样是朦胧效果的画面。和英国人不同的是,他们不是将印象派技巧应用于风景和人像,而是从日常生活中寻找灵感,其作品并不仅仅限于形态与影调的优美安排。

印象派摄影家使自己的作品完全丧失了摄影艺术自身的特点,所以有人又把它称之为"仿画派"。可以说它是绘画主义摄影的一个分支。这一流派的艺术特色是调子沉郁,影纹粗糙,富有装饰性,但缺乏空间感。

摄影界的分裂

背景:1891年,围绕着挑选参加大不列颠摄影展览的作品,一批英国摄影家展开了一场争吵,一方指责在前几届展览中,作品的挑选失之公允,缺乏科学摄影作品;而另一方则抱怨皇家摄影学会(RPS)在促进作为艺术形式的摄影发展方面,丝毫没有起到有益的作用。摄影家们提出来的问题主要是针对学会一些评选的惯例:如不分等级地把各种摄影混为一谈,这显然不利于艺术摄影的发展;用画家、雕刻家和其他非摄影人士评审艺术摄影作品,摄影艺术自身的创作规律因此得不到应有的重视;将摄影题材分为优劣等级进行授奖,从高到低依次为风光、肖像、静物,不利于各种题材的摄影创作的公平竞争。

摄影界的分裂

这场争吵最终导致了整个摄影界的分离运动。一批画意摄影家退出皇家摄影协会,并在1892年5月由马斯

克尔、罗宾逊、辛顿等人在伦敦发起成立了摄影连环会(Linked Ring)。他们坚持就绘画派的创作原则,受到各国业余摄影团体的普遍支持。当时的“伦敦沙龙”只允许绘画派的摄影作品参加展出,这种局面一直延续到了20世纪20年代。

另一方是由施蒂格利兹为首组成的“摄影分裂派”,其成员有斯泰肯、科伯恩、伊文思等人。他们反对用绘画方法制作照片,主张从事纯粹的摄影。这就是摄影史上的“纯粹派”,后来的“新现实主义摄影”和“堪的”派摄影就是在他们的理论与实践的基础上最终产生了。

摄影连环会

目的:连环会成立的最初目的就是组织有针对性的艺术摄影展览,并于1893年成功地举办了第一次展出,但没有发奖品。从此以后,摄影连环会每年都在伦敦或其他国家举行一次展览,一直到1909年为止。这些展览的目的只有一个,就是使摄影真正为一种全球性的艺术样式并被更广泛的公众所承认。

组织机构:连环会不设理事或理事会,只是一个艺术摄影家的松散联盟。从连环会成立开始,它的创建者们就决心使成员国际化。他们以摄影家作品的艺术质量的优劣为标准,在世界的范围选拔会员。当时的摄影家如果被邀请参加摄影连环会,将是一种莫大的荣幸。摄影连环会因此在法国、比利时、德国、奥地利等国家的画意摄影流派中都引起了巨大的反响。

摄影连环会

所谓摄影连环会的“环”,是指以国家为单位的会员构成的一个整体。每一个国家的“环”都被承认为“中心环”,主席由各“环”轮流担任,每届一个月。在摄影连环会存在的18年中,英国、欧洲其他国家和美国的大部分著名摄影家,基本上都成为它的成员。它就像一个联络网,促进了国际性的画意摄影的成长和发展。

由于英国在画意摄影上的悠久传统和在摄影界所具备的盟主地位,连环会必然对世界性的画意摄影产生不可低估的影响。连环会在1909年以后由几个持不同意见的成员在伦敦重新组建,并改名为伦敦摄影家



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沙龙。但它的基本宗旨并没有发生太大的变化,依然以促进画意摄影的发展为目标。我们今天所说的带有浓郁画意摄影色彩的“沙龙摄影”,就是从这一时期的命名为起点。



施蒂格利兹( 施蒂格利兹也是20世纪初画意摄影的拥护者,随时关注着美术界的新动向,并设想着摄影艺术的发展前景。

施蒂格利兹十分了解相机本身所具有的对现实生活“写真”的能力,由于他对被摄体的准确把握,使他的静物摄影具有了造型主义的倾向。这些都是在19世纪画意派摄影中完全看不到的新鲜气息。

他的早期作品《闲聊天》就已经在作品中注意回避了当时画意摄影中盛行的柔焦摄影效果,而是整部作品充满了生机勃勃的人间气氛。《闲聊天》作为埃默森难以实现的新摄影艺术理想的补偿,具有重要意义。


摄影分裂派的艺术追求

施蒂格利兹 1902年创办了一个新团体“摄影分裂派”,举起了与传统的画意摄影分离的摄影分裂主义大旗,提出了革新的创作理念:

从具体做法上看,他要求摒弃画意摄影中的纯仿画手法,提出了纯摄影主义的理论,力图强调摄影不仅在技术手法上,同时也在表达个体的个性意义上,更多地考虑摄影本身的规律和特点,使摄影变得更纯粹化,独立于绘画之外。

H纽霍尔曾这样评价:“施蒂格利兹的一生都在严格地考证照相机、镜头和感光乳剂的基本性质。”在当时的摄影界,他的举动是背叛画意派摄影家的行为。但是他坚持认为“结局是唯一公平的评判标准。为了得到所期望的结果,应该允许选择任何技术手段。”

施蒂格利兹的创作

施蒂格利兹是小型照相机最早的使用者之一,但是他也认为使用小型相机无法拍出真正的作品。他抱怨制造商的宣传,会导致人们依赖照相机的简便而忽略谨慎地创造,他针对使用小型相机的人,急急忙忙按快门的居多,提出“使用小型相机拍摄作品‘忍耐’是绝对必要条件。”就是说虽然是抓拍,但是仍然要仔细观察、等待时机。他的名言是:一切成功于均衡的瞬间。这幅《终点站》正是实践他的创作主张的精采之作。

施蒂格利兹认为人们的面孔特征是取之不尽的宝库,是最有吸引力的形象。在当时这还是一种绝无仅有的"特写"形式。

摄影分裂派的发展

作为摄影分裂派最重要的一环,1905年,施蒂格利兹在纽约第五街291号开设了一个小型的摄影分裂派展

览厅,这就是后来广为人知的“291展厅”。他一方面在展厅里不断推出富有个性的会员作品,另外又不失时机地介绍当时新兴的美术作品。在施蒂格利兹的倡导下,摄影分裂主义的成员还不断地在世界各地举办各种展览,使许多人在其影响下成长起来。

和英国的摄影连环会不同的是,摄影分裂主义致力于推动美国摄影的发展,与英国和欧洲的作品展开大规模的竞争。另外,它是由一个人而不是一个组织领导经营的,施蒂格利兹一人负责挑选全部参展作品,既包括在“291展厅”展出的,也包括送往国外参加团体展出的。施蒂格利兹几乎是单枪匹马,把当时极富创造力的摄影中心从英国移到了美国。

摄影分裂派的追随者


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施泰肯(Edward Steichen,18791973)

人们普遍认为,他是20世纪对摄影有突出贡献和影响的人物,甚至有人说,他的一生显示了一部20世纪摄影艺术的发展史。这是因为施泰肯一生丰富的创造历程所涉猎的范围博大精深。在漫长的一生中,他以各种风格从事黑白和彩色摄影,他的题材包括人像、风光、时装、广告以至舞蹈和雕塑。他的早期作品显示了对柔焦画意摄影的精通,但随后他和施蒂格利兹一起举起了“摄影分裂主义”的大旗,成了“直接”摄影和新纪实主义的倡导者,以至后来“抽象构成派”的特点在他身上都有体现。用施泰肯自己的话说是:“每隔十年,人就应该鞭策自己,好使自我进入一个全新的境界!”

施泰肯对摄影的贡献

施泰肯对摄影的贡献,并不仅表现在早期的摄影实践上,还包括他出色的组织能力。二战后,他以摄影方面的丰富阅历和成就,担任了纽约现代艺术博物馆摄影部主任。在这之后的15年里,他先后为美国及全世界的摄影家们,举办了负责组织了包括《人类大家庭》在内的近50次具有影响的影展,成为摄影史上的一个奇迹。

1956年,为了庆祝纽约当代艺术博物馆创建25周年,久负盛名的施泰肯举办了一个轰动世界的《人类大家庭》摄影展览。为准备有史以来规模最大的摄影展,他从全世界征集的约200万张照片中,精心挑选出了涉及68个国家的273位男女摄影家的503张摄影作品,并在世界上近40个国家和地区巡回展览。

关于《人类大家庭》

《人类大家庭》以“人”为中心,表现人类怎样生活在世界大家庭中,从诞生、长大、成熟、直到衰老以至死亡的过程。这些照片展现了人类生活各方面的状况,从分娩、成长、婚恋、疾病、死亡这些生命的自然过程到人们的生产、文化、娱乐、悲悯、信仰等方面的活动或表现,目的在于增强人类的相互认识和了解。

《人类大家庭》摄影展览不仅传播了施泰肯“人类生而平等”的思想,同时也证明了摄影艺术是一种最通俗易懂的世界语言和最富于真情实感的艺术。

大批评家罗兰巴特认为影展只是在反复表达一首不朽的关于诞生的抒情诗,存在着当时摄影表达中普遍存在的空洞与浮泛的问题。以至于他认为除了死亡和出生不断出现,整个摄影展什么都没告诉观众,是“照相技术的失败”。

《人类的家庭》一书至今仍是最畅销的摄影出版物之一。普通读者从中看到的是一种胸怀全人类的共同信念,相信并歌颂普通人生的纯粹动机和非凡气度。


新现实主义摄影

背景:摄影分裂主义一直延续到1917年“291展厅”的关闭。以此为标志,画意摄影再也不是“前卫”运动了,是摄影分裂派帮助直接摄影派(新纪实主义)取代了画意摄影。

新现实主义摄影起源于德文,英文翻译成New Realism或New Objectivity,因此我们对这种摄影流派的称呼也就多种多样。除了新现实主义,它也被称为新即物主义,新客观主义,包括后来在美国出现的直接摄影派,都是它的分支。虽然因为不同的时期和不同的摄影家风格特点略有不同,但从总体上看,他们的指导思想都是比较一致的。

新现实主义摄影的艺术特点

在常见的事物中寻求“美”。用近摄、特写等手法,把被摄对象从整体中“分离”出来,突出地表现对象的某一细部,精确如实地刻画它的表面结构,从而达到眩人耳目的视觉效果。

在拍摄的手法上,要求充分利用自然光照,努力展现其丰富自然的影调和清晰的细节,凸现摄影家对光线运用的控制能力,而舍弃后期的暗房特技加工制作。

它不考虑艺术的本质在于提示对象的本质,因而其美学思想是属于自然主义范畴的。

新现实主义的提出,意在表明坚决放弃在沙龙中长期占主宰地位的画意主义摄影,开始以直观的、不矫



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揉造作的现实世界作为艺术影像的源泉。

从摄影历史的发展进程来看,在20年代早期,把“普通的”而且是日常生活中的事物作为摄影的重要题材,并且以如此精确细腻的手段加以表现,确实体现了新现实主义摄影革命性的观念。

德国的新现实主义摄影

新现实主义的创始者是德国倡导“新客观”运动的摄影家兰格一帕奇(Alber RengerPatzsch,18971966)和卡尔布劳斯菲尔德(Karl Blossfeldt,18651932)。他们从20世纪20年代开始,就独自探索利用自然和人造被摄对象进行直接摄影的可能性。

兰格一帕奇反对摄影依赖于绘画,他强调摄影艺术必须依靠摄影的自身特性,认为摄影的审美价值隐藏在自身的特性里。摄影中可以有无尽的创造力,挖掘这种创造潜力的方法,就是突出那些很容易被忽略的、或被简单认识的形式和题材。

德国新现实主义摄影的影响

受到新现实主义摄影作品的影响,在20世纪20年代末,德国的许多刊物纷纷刊出了这类题材的作品,而使所有读者大为惊奇。不仅内容上新颖,这些作品和摄影栏目的标题也很新奇,如“从天空看世界”、“用放大镜来看”、“摄影家看见了什么”、“在街上所看到的风景”“寻找镜头的摄影之旅”等,在读者的眼中展现了一个全新的天地,并且直接扩大了“新客观”运动的社会影响。

德国直到19世纪末叶还没有和艺术摄影发生过什么联系,可是进入20世纪德国却一跃成为艺术摄影的指导者,这主要是因为德国不存在像其他国家那样传统上的障碍,所以在艺术摄影方面才有如此飞速的发展。在欧洲,最早收到新现实主义洗礼的也只有瑞士一个国家。这当然也是和他们那些能够制造精密手表而闻名的瑞士人民,喜欢毫无虚饰的真实作风有密切的联系。因此,他们才能够跑到英国人和法国人的前面。


美国的直接摄影派

直接摄影的理论先驱是斯特兰德(Paul Strand,18901976),他对新即物主义的艺术特征作了如下规定:“新即物主义乃是摄影的本质,并且也是摄影的产物和界限。”他认为,摄影“对生命的表现极强,而且需要观察正确事物的眼睛。为此,并非根据敷衍的过程和操作方法,而是必须运用纯净的摄影术才行。”

后来的摄影巨人安塞尔亚当斯在第一次看到斯特兰德的作品后,备受感动,他说:“我对摄影的认识在那天下午具体形成,因为我终于了解这种媒体于表现艺术上拥有多大的潜质。”能够直接影响了一代摄影大师的创作,可见当时斯特兰德的作品的感染力。

新即物主义摄影的历史价值

新即物主义摄影家的功绩是促使人们对摄影自身特性的研究和探索,把摄影从审美性的虚幻世界中拉回

到现实生活中来。但是,由于过分强调了细部物质表面结构的描写,它也为后来的抽象主义摄影提供了萌发的土壤。



界摄影流派发展起到了重要作用的F64小组。这一小组的创作也代表了新现实主义摄影的最高成就。 1932年,电影摄影师威拉德凡代克联合韦斯顿、亚当斯、坎宁汉等,成立了“f/64小组”(Group F/64)“F64”是当时照相机上最小一极光圈,这个组织的定名就是他们艺术主张的宣言。他们主张用很小的光


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圈,获得较长的景深和极好的清晰度,反对一切柔焦和模糊细节的创作手法,并用大底片来保证精细的纹理层次表现。

因此,F64小组成员作品的艺术特色是影象纹理细腻,层次丰富,黑白分明。这个摄影团体的成员始终带着一种使命感,以揭示大自然风貌的真像为已任。虽然从表面上看,F64只是对技术手段的强化和极端,而实际上它是与画意摄影的直接交锋,是在艺术理念上的突破。

韦斯顿(Edward Weston,18861958年)

“摄影界的毕加索”是在他去世后人们对他的尊称。就像谈论20世纪的美术流派是不能不提到毕加索那

样,韦斯顿在摄影史上的地位也是不容置疑的。

韦斯顿早期的创作也是具有画意派印象主义的特点。1925年以后,他由画意风光和人像摄影转而追求强烈的视觉冲击力,用近摄的造型手法,突出而又精细地刻画被摄物体的结构或表面质感,作品具有一种强烈的视觉效果。他热衷于在贝壳、白菜、沙丘、石块、云朵、老杉树、木板等平凡的东西上发掘其美的品质。 “不去追求那些不平凡的题材,而是要把平凡的事物变成不平凡的作品。”这是他这一时期创作的座右铭。

韦斯顿风格

所谓韦斯顿风格,就是他从自然主义摄影家爱默生那里继承下来的,记录真实世界的“纯摄影”风格。

他认为,摄影必须记录真实的世界,反映出现实的人生。在拍摄真实世界的题材时,要经过严格的选择,去芜存菁,再加上摄影家的想象,也就是要使作品同时具有“真”与“美”的品格。

在摄影表现上,韦斯顿认为摄影艺术不仅要表现出客观事物的内涵和本质,而且更要注重于对象的外在形式和质感。韦斯顿甚至认为形式更重要一些。他认为通过摄影家慧眼独具地对事物外形,细节的发现,可以产生一种常人意想不到的艺术效果,他认为:“形是无处不在的”。

韦斯顿技法



一方面,要敏锐地观察去发现它,再用精确的纯摄影的方法把它如实地表现出来。

他所使用的工具和具体技术是采用大尺寸底片(8×10寸)和极小的光圈,把景物从近景到远景都拍摄得清晰、鲜明,超出肉眼所能辨别的清晰细致程度。正像他所说的:“同人类的眼睛相比,照相机的镜头可以看到更多的东西。但人们为什么不想利用它呢?”他正是要利用这种功能,给人类带来生理机制所不能见到的却又实际存在的真实的“美”。

韦斯顿说:“要尽量努力做到正确描写,一定要让石头看起来很坚固,树皮看起来很粗糙,肉体看起来很滋润。”在他的拍摄中,我们可以发现一下独到的技巧: 1、拍摄时一律用小光圈,大底片;

2、所拍摄的底片,不经放大,直接印象;

3、不要修饰和裁剪。一切影调、层次、纹理、构图,都由拍摄时所用的镜头,光线和曝光条件决定。

安塞尔亚当斯(Ansel Adams,19021984)

安塞尔亚当斯是世界摄影史上一位传奇人物。在他享年82高龄的岁月中,可以说是有史以来最为“大

众化”的摄影家。亚当斯曾经破例成为时代杂志(Time)的封面人物(1979年9月3日),还出任主角,演了五集的电视影集《摄影锐不可当的艺术》(Photography: The Incisive Art)。他还是美国生态环境保护的一个象征人物,所拍过的风景区,后来成为美国的国家公园。当他不断地抨击里根政府对环境保护不力时,里根还不得不亲自接见他解释原委。他那十分有特征的脸孔四岁时就撞歪的大鼻子,一把浓密花白的落腮胡子,一付宽边的老花眼镜,加上一项西部牛仔的阔边帽,还被印在T恤上,为自然保护者们争先抢购的穿在身上。亚当斯使自己和摄影在美国都变得十分通俗化,也十分有商业价值,他的摄影书已印了上百万册,在美国的超级市场都可以买到。

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风光摄影大师 亚当斯



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鲜花

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